Экзаменационные вопросы по истории искусств


Экзаменационные вопросы по истории искусств

Жанры живописи.

Живопись — вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на твёрдую или гибкую поверхность.



Портрет — изображение человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности.

Пейзаж— жанр живописи, в котором основным предметом изображения является природа.



Эльвира — жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид.

Историческая живопись— жанр живописи, изображает важные события прошлого.

Батальная живопись – жанр живописи, посвящённый темам войны и военной жизни.

Натюрморт — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве.

Жанровая живопись является частью бытового жанра в изобразительном искусстве.

Архитектурная живопись, главной темой которой был архитектурный ландшафт.

Анималистическая живопись— это живопись, главным сюжетом для которой является изображение животных.

Декоративная живопись также называемая монументальной живописью, живопись на зданиях и сооружениях.

Что такое графика?

Графика - вид изобразительного искусства, использующий в качестве основных изобразительных средств линии, штрихи, пятна и точки.

Что я знаю про скульптуру.

Скульптура — вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную форму и выполняются из твёрдых или пластических материалов — в широком значении слова, искусство создавать из глины, воска, камня, металла, дерева, кости и других материалов изображение человека, животных и иных предметов природы в осязательных, телесных их формах. Главные жанры скульптуры — портрет, исторические, мифологические, бытовые, символические, аллегорические изображения, анималистический жанр.

Искусство первобытного общества.

Первобытное искусство — искусство эпохи первобытного общества. Возникнув в позднем палеолите около 33 тыс. лет до н. э., оно отражало воззрения, условия и образ жизни первобытных людей. Наскальные рисунки и живопись разнообразны по манере исполнения. Никакие пропорции изображаемых животных (горный козел, лев, мамонты и бизоны) обычно не соблюдались — огромный тур мог быть изображен рядом с крошечной лошадью. Несоблюдение пропорций не позволяло первобытному художнику подчинить композицию законам перспективы. Неподвижных фигур в наскальных рисунках почти нет. При создании наскальной живописи первобытный человек использовал естественные красители, которые он либо применял в чистом виде, либо смешивал с водой или животным жиром. Краской не только обводили контур, но закрашивали все изображение. В глубокой древности для искусства человек использовал подручные материалы — камень, дерево, кость.

Искусство Древнего Египта

Египетский народ первым в мире создал монументальную каменную архитектуру. Египетское искусство впервые стало изображать человека в сопоставлении и в связи с другими людьми. Все рельефы в Древнем Египте ярко раскрашивались, меньше всего изображений было в гробницах, храмах и дворцах, там рисунки были только на поверхности. Каменная поверхность готовилась к покраске — грубый слой грязи с более мягким слоем гипса сверху, потом известняк — и краска ложилась более ровно. Строительные пигменты были, как правило, минеральными, дабы защитить изображения от солнечного света. Состав краски был неоднородным — яичная темпера, разнообразные вязкие вещества и смолы. использовалась краска на слое высушенного пластыря. Сверху живопись покрывалась слоем лака или смолы, чтобы сохранить изображение надолго. Множество египетских картин сохранились благодаря сухому климату Древнего Египта. Сцены, изображенные на картине, представляли путешествие в загробный мир и встречу в загробном мире с божеством (суд Осириса). Также часто изображалась земная жизнь усопшего, чтобы помочь ему заниматься тем же в царстве мертвых. Основными цветами были красный, синий, чёрный, коричневый, жёлтый, белый и зелёный. Ещё одним важным фактором было отсутствие разнообразия строительного материала.

В Египте было мало архитектурных формОсновными архитектурными формами были пирамида, пилон и колонна . Скульптура создавалась и развивалась, чтобы представить древнеегипетских богов, фараонов, царей и цариц в физической форме. Статуи, как правило, сохраняют первоначальную форму каменной глыбы или куска дерева, из которого она высечена. Существовал очень строгий канон создания древнеегипетской скульптуры: цвет тела мужчины должен был быть темнее цвета тела женщины, руки сидящего человека должны были быть исключительно на коленях; существовали определенные правила изображения египетских богов. Все скульптуры создавались по данному канону и следование было столь строгим, что почти за трехтысячелетнюю историю существования Древнего Египта он не претерпел изменений.



Ансамбль афинского акрополя

Наивысшие достижения древнегреческой архитектуры связаны с ансамблем Афинского акрополя. Акрополь в городе Афины, представляющий собой 156-метровый скалистый холм с пологой вершиной (ок. 300 м в длину и 170 м в ширину). Здесь располагались величественные храмы, скульптуры, различные предметы культа. Акрополь также называют «Кекропс» — в честь Кекропса, который по легенде был первым царем Афин и основателем Акрополя. В Акрополе велось большое строительство. При тиране на месте царского дворца был построен храм богини Афины. В 480 году до н. э. во время греко-персидских войн храмы Акрополя были разрушены персами. В 447 году до н. э. по инициативе на Акрополе началось новое строительство; руководство всеми работами было поручено знаменитому скульптору которому , видимо и явился автором проекта, лёгшего в основу всего комплекса, его архитектурного и скульптурного облика.

1.Пропилеи — парадный вход на территорию архитектурного комплекса Акрополь. Пропилеи можно перевести как «преддверие». Сооружено по проекту архитектора Мнесикла, в 437—432 годах до н. э.

2.Храм Ники Аптерос – необыкновенно изящный мраморный храм, был построен архитектором Калликратом. Проект храма осуществлен в 450 до н. э. , а его возведение проводилось в 427–421 до н. э.

3.Парфенон — храм богини Афины Парфенос — величайший памятник древнегреческого искусства. Возведен по приказу Перикла (447–438 до н. э. ) на месте незаконченного и разрушенного персами храма. Архитекторами были Иктин и Калликрат.

4.Эрехтейон – выдающийся памятник древнегреческой архитектуры, выполненный неизвестным автором (421–415 и 409–406 до н. э.) . Ионический храм, находящийся недалеко от Парфенона, посвящен Афине, Посейдону и легендарному царю Афин Эрехтею, давшему название храма. 5.Театр Одеон был сооружен в 161 г. Геродом Аттиком. Крытый Одеон был построен им после смерти жены Ригиллы и предназначен для музыкальных представлений, посвященных ее памяти.

6.Статуя Афины Промахос (Афины-Воительницы) — огромная бронзовая статуя работы Фидия на афинском Акрополе, воздвигнутая в 465-455 годах до н. э. Стояла на высоком постаменте между Эрехтейоном и Парфеноном. Афина была изображена в шлеме, с щитом и копьём, причём шлем и остриё копья были золотыми.

7.Пинакотека — картинная галерея находилась рядом с парадным входом с левой стороны.

Храм Парфенон

Памятник античной архитектуры — храм Парфенон находится в Афинах. Этот храм посвящен и возведен в честь богини-воительницы Афины, его расположили на афинском Акрополе. Это один из главных храмов в Афинах. Строительство храма происходило примерно в 447—438 годах до н. э, архитектором которого был великий мастер своего дела Калликрат, работал он по проекту Иктина. По приказу правителя в 438—431 годах до н. э. Фидий украсил храм.

Готические храмы во Франции

Готическая архитектура во Франции – архитектурный стиль, который был широко распространен на территории современной Франции с 40-х годов XII века до начала XVI века, готический стиль быстро распространился на территорию всей Франции и за её пределы. Мастерство архитекторов достигло своего пика в середине XIII века, после чего развитие шло путем применения прикладных ремесел, в частности, обработки камня.

Во Франции есть множество соборов и храмов выполненных в стиле готики, к примеру: Руанский собор, Реймский собор, Амьенский собор, Шатрский собор и т.д.

Русская иконопись

Икона — это живописное, реже рельефное изображение Иисуса Христа, Богоматери, ангелов и святых. Икона — это не просто картина с изображением тех, кому поклоняются верующие, но и своеобразный психологический показатель духовной жизни и переживаний народа того периода, когда она была написана.

Русская иконопись — развивавшееся в недрах православной церкви изобразительное искусство Древней Руси, начало которому было положено в конце X века крещением Руси. Иконопись оставалась ядром древнерусской культуры вплоть до конца XVII века.

Иконопись — это сложное искусство, в котором все имеет особый смысл: цвета красок, строение храмов, жесты и положения святых по отношению друг к другу.

По-моему мнению, есть 3 великих русских иконописца Феофан Грек (14-15 вв)- Донская икона Божией Матери, Андрей Рублев (14-15 вв) — Троица, Даниил Черный (14-15 вв) – Лоно Авраамова, Дионисий (15-16 вв.) — Сошествие во ад.

Несмотря на многочисленные гонения и уничтожение икон, часть из них все же дошла до нас и являет собой историческую и духовную ценность.

Стиль барокко в русской архитектуре 1-ой половины 18 века

В России развитие искусства барокко, отразившего рост и укрепление дворянской абсолютной монархии, приходится на первую половину XVIII века[1]. Стиль барокко в России обладал рядом национальных особенностей. Русское зрелое барокко отличалось от западного структурной ясностью и простотой плановых построений, тесной связью конструктивной основы и декорирующих её элементов. Другой отличительной особенностью русского барокко был его мажорный характер, активное использование ярких цветов в окраске, смелых колористических контрастов, включая золочение. В Санкт-Петербурге в стиле барокко созданы Петропавловский собор (Трезини), летний дворец Петра 1, здание Двенадцати коллегий (Трезини) и т.д.

«Титаны эпохи возрождения» Леонардо да Винчи

«Титан – выдающийся человек, деятель исключительного масштаба, ума, таланта; человек огромных творческих возможностей, создавший что-либо великое». Таких очень много Бруни Федор Антонович, Брюллов Карл Павлович, Гиберти Лоренцо и одним из таких титанов и был Леонардо да Винчи. Леонардо да Винчи был гением своей эпохи учёным, инженером, архитектором, скульптором, живописцем, графиком, философом, музыкантом, поэтом. Знаменитая фреска «Тайная вечеря» выполненная Леонардо для трапезной миланского монастыря Санта Мария деле Грацие дошла до нас в полуразрушенном виде. Роспись, считающаяся одним из величайших творений Возрождения, начала осыпаться ещё при жизни мастера. Виной этому были неудачные эксперименты с красками и грунтом, предварительно испытать которые на прочность у него не хватило терпения. В XVII веке в помещении пробили дверь, уничтожившую часть композиции. Предпринятая в XX веке реставрация спасла остатки фигур от дальнейшего разрушения, однако о первоначальном замысле художника мы сегодня можем составить лишь самое общее представление. У этого великого человека есь также множество других произведений искусства: Мадонна Литта, Мадонна Бенуа (Мадонна с цветком)

Все грани творчества великого Микеланджело

Микеланджело Буонарро́ти,— великий итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель. Один из величайших мастеров эпохи Ренессанса. несомненно один из наиболее вдохновенных художников в истории искусства и, наравне с Леонардо Да Винчи, наиболее мощная фигура итальянского высокого возрождения. Микеланджело оказал огромное влияние на своих современников и на последующее Западное искусство вообще. Наиболее известные работы автора: Мадонна у лестницы, статуя святого Петра, статуя Давида, мадонна Медичи и множество других, не менее знаменитых работ.

Стиль барокко в европейском искусстве 17 века

Стиль барокко рождается в Италии и распространяется в большинстве европейских стран, приобретая в каждой свои национальные черты

Произведения барокко отличаются несоблюдением правил ренессансной гармонии. Отличается грандиозностью, пышностью и динамикой, пристрастием к эффектным зрелищам, сильным контрастам масштабов и фактур, света и тени. Интерьеры барокко украшаются многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой.

17 век называют эпохой барокко. Видимо потому, что барокко отчетливо выражало общественную направленность искусства того времени (к середине 17века противоречия между капитализмом и феодализмом приобрели общеевропейский характер).

19 вопрос (да, не в тему, знаю)

Оскар Клод Моне — французский живописец, один из основателей импрессионизма. Вопреки желанию отца стать бакалейщиком, Клод с юных лет испытывал тягу к живописи и с удовольствием рисовал карикатуры. На солнечных пляжах Франции Клод Моне познакомился с Эженом Буденом, известным пейзажистом и одним из провозвестников импрессионизма. Буден показал юному Моне некоторые приёмы живописной работы с натуры. Моне поступил в университет на факультет искусств, но покинул заведение. Он поступил в студию живописи, которую организовал Шарль Глейр.

Первой значительной работой стала для Клода Моне «Завтрак на траве» (1865-1866). Сама работа до нас не дошла: художник расплатился ей в счет долга за проживание в деревне Шайи, в окрестностях которой он работал. Сюжет картины прост: на опушке зеленого леса расположились несколько мужчин и нарядно одетых женщин. Ощущение движения воздуха усиливается фактурой полотна: она уже не гладкая, а состоит из отдельных пятен-мазков. (1870-1871) Моне проживает в Лондоне. Возвращение из Англии ознаменовает один из самых плодотворных периодов творчества Клода Моне. Он пишет свои лучшие картины — «Поле маков у Аржантея»,»Бульвар Капуцинок», «Сирень на солнце»,»Впечатление. Восход солнца». В 1874 году эти картины показаны на выставке при «Анонимном обществе живописцев, художников и граверов», организатором и руководителем данного являлся Клод Моне. После этой выставки, кстати, названной по имени картины Моне «Впечатление. Восход солнца», к художникам «пристало» прозвище «импрессионисты» (с франц. впечатление). Это были золотые годы расцвета импрессионизма. Моне участвовал во множестве выставок. Моне много путешествует (насколько позволяет кошелек)в Аржантее, в Ветее, в Пуасси и оставшуюся жизнь — в Живерни. Поселившись в Аржантёе, Клод Моне со страстным увлечением пишет Сену, окрестности, мосты, парусники. В конечном итоге строит лодку и в ней плывет до Руана и там, жутко пораженный увиденным, изображает в этюдах окрестности города и заходящие в гавань морские суда («Аржантёй», «Парусная лодка в Аржантёе»). В 1877 году из под кисти Клода Моне появляется серия картин (на них представлен вокзал Сен-Лазар), ознаменовавшую новый этап в творчестве великого художника: переход от всеобщей концепции этюда к аналитическому подходу к изображаемому («Вокзал Сен-Лазар»).




Предыдущий:

Следующий: